Каждая культура имеет свою почву, свою географию, социальную среду, в силу чего всякая культура имеет свою специфическую окраску, то есть обладает своей самобытностью. Наша страна имеет богатое творческое наследие. Оно поистине огромно, это целая энциклопедия по истории искусства. Особое место в ней занимает народное традиционное искусство.
Народное искусство обогащает мировоззрение людей через наиболее масштабные представления, как например, отражение модели мира, в котором сохраняются и развиваются определенные композиционные и структурные построения мотивов, сюжетов, форм и конструкции. Оно определяется пятью функциями: праздничной, утилитарной, сувенирной, коммуникативной, эстетической [1]. Актуальность представленной темы в том, что природа традиционного народного искусства не утратила связь с жизнью и остается современной всем эпохам.
Теоретико-методические основы освоения культурного наследия кроются в философских категориях «наследие», «преемственность», «традиция», «коммуникация». Понятие «наследие» предполагает теоретическое осознание закономерностей преемственности и осознание действия в виде критической оценки, оставшихся от прежних поколений культурных ценностей и их творческое использование. В то же время, по определению Э. А. Баллера, «преемственность выражает объективную связь, механизмы передачи историко-культурного опыта безотносительного к его содержанию» [4]. Но было бы неверно полагать, что «преемственность» в развитии народного искусства реализуется только в виде освоения уже имеющихся достижений. Без нее, без критического освоения художественного опыта, творческих традиций, эстетических норм прошлого невозможен прогресс искусства.
Что касается понятий «традиция» и «преемственность», то «традиция» более широкое потому, что содержит в себе определенные идеи, направления, стили, школы и т. д. Художественная традиция - нечто меняющееся во времени, в отличие от наследия, замкнутого в исторических границах, она обладает конкретным содержанием. Содержание художественной коммуникации характеризует познавательная информация, которая выражает и внушает эмоционально-оценочное отношение, привлекает способностью доставлять наслаждение, развлекать и «заражать» творческой энергией, а с другой стороны, и сама художественная традиция - непременное условие реализации всех их.
Сходство и внешняя близость, стиль и школа, форма и художественный язык - все они по-своему важные и существенны, но они останутся пустыми, если за ними не стоят, в качестве определяющего начала, родство миропонимания эстетических принципов.
Многие современные дизайнеры в наши дни активно обращаются к мотивам народных традиций и используют их в своей творческой, проектной деятельности. Т. е. использование элементов русского фольклора и характерных традиционных русских народных узоров в одежде вписывается в направление - «этностиль», т. е. заимствование формы, конструкции и деталей одежды у различных этнических групп мира, а также использование славянских мотивов восточной Европы. Интерес к богатой народной русской культуре присутствовал на подиумах мира давно.
«Русское» влияние на европейский костюм началось еще в XVIII столетии. С тех пор, время от времени, оно будоражит Европу. В начале XX столетия знаменитый дизайнер Поль Пуаре в своей новой коллекции отразил мотивы традиционной русской народной одежды, оказавшие на него влияние после поездки в России в 1911 года. Еще сильней эта любовь ко всему русскому и заимствование традиций проявили себя после Октябрьской революции, с притоком эмигрантов из России. Разумеется, для зарубежных дизайнеров Россия - это экзотика, в их коллекциях отражено скорее впечатление от растиражированных туристических штампов: матрешки, кокошники, муфты, платки. Здесь нет и намека на глубинное исследование основ русской национальной культуры. Мы же, имея прекрасные образцы народного творчества, которые щедро представлены в музеях России, к сожалению, мало интересуемся нашей историей и традицией. Изумительные вышивки, в том числе золотом и серебром, прекрасные кружева, великолепное ткачество - все это могло бы послужить прекрасной базой для развития национальной темы в модной индустрии. Некоторые современные отечественные дизайнеры достаточно интересно обыгрывают это в своих коллекциях одежды, отталкиваясь именно от традиции. Другие идут по пути зарубежных модельеров, беря за источник вдохновения сувениры с ларьков [2].
Веками, а не десятилетиями измеряется жизнь древнейших сюжетов народного искусства. Но ускоряются темпы общественного развития, быстрее развивается сознание народа, искусство все активнее обращается к реальной действительности. Закономерности развития традиций продолжают действовать и по сей день, они нередко выносят из современной жизни принципиально новые элементы и свойства [2]. «Современный мастер должен беречь традицию, но видоизменяя ее, сохранять многие лучшие ее стороны....» [6].
Традиционное народное искусство, сохраняя свою самобытность и генетическую связь с прошлым, все же приобретает новые, современные формы и варианты воплощения. Разрушение социальной памяти ведет к падению культуры, к потере этносом своего места в исторической цепи. Как отмечал академик Б. Лихачев: «Народ жив тогда, когда будет жива народная традиция»[5]. Поэтому необходимо актуализировать социальную память. В таких условиях роль дизайнера становится очень важной. В современной творческой практике часто можно встретиться с интерпретацией художественного произведения, принадлежавшего прошлой культуре, и при этом не только с произведениями как таковыми, но и с традицией его истолкования. В декоративном искусстве интерпретация художественного произведения возникает тогда, когда имеет место оригинальное видение произведения национального искусства, на основе образно-смысловой трактовки и как результат - это содержательная, интеллектуальная и эмоциональная окраска, стилевая неповторимость, осуществляемая творческой индивидуальностью художника. Таким образом, дизайнер является выразителем современной социально-эстетической потребности, но он может, обгоняя свое время, художественно выражать ту традицию отечественного искусства, которая еще сформировалась, а как бы с трудом пробивается на культурный пласт. Создавать что-то новое на основе традиций, сформировавшихся веками, особенно сложно и ответственно. Но всегда есть заинтересованные люди, способные сплотить вокруг себя сильный коллектив и решать сложные задачи [2].
Художественная традиция, сущность и природа которого глубоко гуманны, связывает художественную личность с природой, культурой и средой. Являясь частью духовной культуры, оно направлено на создание условий для творчества современного дизайнера, для раскрытия его таланта. Знание художественных ценностей, созданных народом - действенное средство формирования художественно-творческих способностей.
По нашему мнению, народная художественная традиция - наиболее наглядный и яркий образец одухотворенности труда и его тесной связи с творческим началом. Именно таким и призван быть человеческий труд - творческим. Он должен осуществляться по законам красоты, в нем должно воплощаться эстетическое начало. И самый верный путь, предохраняющий будущего дизайнера от ошибок и заблуждений, - это обращение к принципам народной традиции, эстетики и использование этого наследия в своей творческой деятельности.
Омская школа дизайна в этом смысле не стала исключением. За прошедшее время усилиями студентов и преподавателей кафедры «Дизайн костюма» было создано множество замечательных коллекций, уже отмеченных престижными наградами всероссийских и международных конкурсов.
Погружение будущих дизайнеров в мир народного творчества происходит уже с первого курса на таких дисциплинах, как «История костюма»,«История декоративно-прикладного искусства», «История искусства», «Пропедевтика» и на «Художественно-проектной практике». Цели и задачи этих дисциплин сводятся к выявлению сути и закономерности процесса развития традиционного народного и прикладного искусства и их влияние на творчество студентов направления «Дизайн». Например, студенты, подбирая теоретический материал в подготовке к семинарским занятиям по дисциплинам «История костюма», «История ДПИ» из разных информационных источников, проведя исследовательскую работу по изучению основ народного искусства и разрабатывая идеи на занятиях по пропедевтике, могут воспользоваться ими при выполнении макета, а затем воплотить свой замысел в своей самостоятельной творческой деятельности с учетом всех нюансов и этапов работы, «прожитых» на теоретических дисциплинах, спецдисциплинах и на художественно-проектной практике [1].
Что касается системы обучения, то метод проектов является одной из специфических сторон в подготовке будущих дизайнеров. Профессорско-преподавательских состав кафедры «Дизайн костюма» разработали собственную методику преподавания, которая заключается в установке характера связи между соединяемым материалом дисциплин системообразующего и вспомогательного цикла. Так, на лекционных и семинарских занятиях по дисциплинам системообразующего цикла «История костюма», «История ДПИ», «История искусства» студенты знакомятся с историей и особенностями традиционного народного искусства, изучают специфику орнамента, систему ее расположения и связь с предметами ремесленного производства и с костюмом. На занятиях по дисциплине вспомогательного цикла «Пропедевтика» происходит знакомство с композиционными решениями, их пропорциональное соотношение, ритмическое чередование и т. д. На спецдисциплине «Дизайн-проектирование костюма» студенты выполняют зарисовки, форэскизы. На дисциплине «Макетирование» разрабатывают и выполняют макет костюма в соотношении с декором. На художественно-проектной (этнографо-искусствоведческой полевой) практике выполняют зарисовки деревянной архитектуры в соотношении с декором, предметов прикладного, ремесленного характера и костюма. По дисциплине «Проектирование в материале» выполняют форэскиз костюма, и в дальнейшем все это является плодотворной базой для создания самостоятельной творческой коллекции [3].
Примерами могут служить проекты О. Бояркиной «Свадьба в Малиновке», 2010 г. рук. проф. М. Р. Тимофеева; Н. Шабуровой «Ворожея», 2011 г. рук. доц. Г. В. Першукевич; К. Костиной и П. Рихлицкой «Сирин» 2012 г. рук.: доц. Е. В. Азиева; Ю. Русиновой «Красотка» 2012 г., рук. доц. Е. В. Азиева; Т. Герасимовой «Птица», 2015 г. рук. доц. Э. В. Васильева и многие другие. Для всех коллекций характерно концептуальное решение в соединении с конструкцией, формой и элементами народной художественной традиции. Также авторы использовали различные варианты техник и приемов традиционного народного искусства, но в комбинации с современными материалами (наложение нескольких слоев синтетической сетки, применение готовых шнуров, вышивка по жесткой сетке и пр.).
Из всего вышесказанного можно сделать вывод, что традиционное народное искусство, с его наследием, является одной из важных составляющих единого образовательного процесса Омской школы дизайна и остается притягательным и востребованным. Особенность народного искусства в том, что оно никогда не теряет связи с жизнью, всегда остается современным всем эпохам, ведь в основе его лежат такие категории, как «традиция», «наследие», «преемственность» и «коммуникация». Именно эти понятия продолжают действовать и по сей день, помогая молодым дизайнерам выражать современные социально-эстетические потребности.
Рецензенты:
Амиргазин К.Ж., д.п.н., профессор, директор филиала ФГБОУ ВПО «Высшая школа народных искусств (институт)», г. Омск;
Федяев Д.М., д.ф.н., профессор кафедры философии Омского государственного педагогического университета, г. Омск.